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Robert Wyatt – Different Every Time

En el 2014 el escritor Marcus O’Dair publicó la biografía del vocalista, ex baterista, escritor y compositor  Robert Wyatt. Célebre por ser miembro fundador de la Soft Machine y por navegar en las orillas del pop más propositivo que se haya hecho en los últimos 40 años. Esta publicación dio pie a que se publicara una excelente compilación de dos discos titulada, al igual que la biografía, Different Every Time.

Compilado por Marcus y el mismo Wyatt, el primer disco titulado “Ex Machina”muestra sus orígenes en la Soft Machine, su breve aventura con su grupo rebelde Matching Mole y de su faceta solista. El segundo disco titulado “Benign Dictatorships” compila varias colaboraciones en las que participó.

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Entre las piezas que destacan en el primer disco esta el corte extraído del mítico Third de la Soft Machine, Moon In June. 19 minutos de jazz rock impregnados por el fraseo de Wyatt y su batería. Dos piezas de su breve aventura con Matching Mole, banda con la que se rebelo en cierta forma con la manera de hacer las cosas en su anterior banda. Todos sabemos que tras un dramático accidente en donde cayo de un edificio y quedó parapléjico perdió la habilidad de tocar la bataca como solía. Quizás lo único que se pudo extraer de ese accidente fue que Wyatt pudo refinar su arte como compositor como solista y de eso trata el resto de las canciones que completan el primer disco de esta compilación. A Last Draw de su primer disco solista tras el accidente, Rock Bottom (1974), hace aparición con una versión en vivo extraido del Drury Lane (1974) donde le acompañan Fred Firth, Mike Oldfield, Nick Mason, entre otros. Otra que destaco, y quizás de mis favoritas de Wyatt, es el cover de la banda disco Chic, (la recordaran por su éxito Le Freak) At Last I Am Free del Nothing Can Stop Us (1982) le quitó lo meloso y cursi de la versión original dándole una melodía más agradable y recitándola con su peculiar pero bella voz. Ya por último respecto a esta canción, también existe un cover (escúchenla) de la enigmática Liz Fraser, cantante de los Cocteau Twins.  Cuckoo Madame y Beware del Cuckooland (2003)  y Just as You Are del Comicopera (2007) cierran este disco representando la obra de Wyatt más reciente.

Nunca abandonando el humor que siempre estuvo presente en su obra titula el segundo disco de la compilación “Benign Dictatorships” donde reúne una muestra de su colaboraciones con otros artistas. Elvis Costello, Björk, Hot Chip, Phil Manzanera, Anja Garbarek, Nick Mason son los artistas que conozco en los que hay una pieza representada en este segundo disco. Todos ellos artistas de distintos antecedentes y formación que da una buena amalgama de música al combinar sus talentos con los de Wyatt. Desde el pop y la electrónica de Hot Chip y Björk, la composición de Costello, minimalismo de las noruegas Lindström y Garbarek, el jazz y rock de Manzanera y Mason. Y cerrando con una belleza, una interpretación de Experiences No. 2 de John Cage con la pura voz de Wyatt a capella.

¡Grande Wyatt!

Thinking Plague – Hoping Against Hope

La banda estadounidense que cargó con el estandarte R.I.O./Avant Prog de este lado del charco durante los noventa regresa a las andadas con Hoping Against Hope, lanzado a inicios de este mes de febrero.

La banda comandada por el guitarrista y compositor Mike Johnson recurrió al, cada vez más famoso en el mundo de la música, crowd-funding para recibir ayuda de los fans de la banda y poder tener acceso a grabar la música en un estudio profesional, a diferencia de grabarlo en su casa con tecnología más “precaria”. Afortunadamente hubo resonancia en la cartera de los fanáticos y esto se pudo cumplir. Como es costumbre en los crowd-fundings, se hizo la promesa a los fanáticos que participasen de que la banda daría el mejor disco de su carrera, algo atrevido para una banda con cerca de 35 años de trayectoria y entregas como In This Life (1989) e In Extremis (1998) que son consideradas como placas esenciales del Avant Prog.

A pesar de que no es una banda prolifera y que en ocasiones toman hasta más de 5 años entre discos, siempre manejan un vocabulario común. Y este nuevo disco no es la excepción. La elegante danza del rock de cámara en su esencia más pura, una conversación en contrapunto de dos guitarras, alientos, una voz y la sección rítmica acompañados por texturas en acordeón, piano y demás instrumentos. La única adición nueva al sonido es una segunda guitarra a cargo de Bill Pohl que da a pie a más jugueteo entre él y Johnson en algunas de las piezas. Y sobre todo, que es el disco que mejor sonido tiene. Con una escucha atenta se nota un sonido más natural, los instrumentos mejor espaciados y claros. Sin duda el haber pagado por ese estudio valió la pena.

Este es otro gran disco. Aunque difícil de roer en las primeras escuchas, como buen disco de la Plaga del Pensamiento, cada escucha va revelando la genialidad que emana de cada nota esta nueva obra. Por lo pronto me dispongo a seguir disfrutándolo y ver si con más escuchas se mantiene la promesa de la banda, por lo pronto yo ya lo ubico a la par de esas dos obras bestiales del Avant Prog.

Thinking Plague es:

Mike Johnson: Guitarra, sampleos, instumentos midi
Mark Harris: Saxofones alto y soprano, clarinete, flauta
Dave Willey: Bajo y acordión
Elaine di Falco: Voz, piano y acordeón
Robin Chestnut: Batería, percusiones
Bill Pohl: Guitarra

Con:

Adriana Teodoro-Dier: Piano (2, 5, 6)
Simon Steensland: Bajo (5)
Mike Boyd: Bateria (2)
Kathryn Cooper: Oboe (4)

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Mike Oldfield – Return to Ommadawn

Uno de los titanes de la música instrumental hace su regreso con su nueva entrega, Return to Ommadawn. Después de una larga  y exitosa carrera donde experimentó con un poco de todo desde la música clásica, new age, pasando por la electrónica y hasta por el AOR, con este nuevo disco hace una especie de guiño a su periodo clásico que abarca desde el seminal Tubular Bells (1973), Hergest Ridge (1974) y finalizando en el  Ommadawn (1975). 

Como el título del álbum infiere, Oldfield se baso sobre todo en hacer una continuación del disco del 75 que en su momento no fue igual de exitoso en ventas como el Tubular Bells, pero que a juzgar por los fanáticos y hasta por lo dicho del mismo Oldfield, es el mejor de la trilogía seminal de la obra del rockero inglés.

Oldfield vuelve a hacerse cargo de toda la instrumentación, incorporando toda la paleta de instrumentos y sonidos que conformaron la música del disco original. Regresan los tambores tribales, la mandolina, las voces femeninas tipo ‘drone’, acordiones y sobre todo el inconfundible tono de guitarra eléctrica del maestro Oldfield, uno de mis sonidos favoritos del rock. Dos largos movimientos de aproximadamente 20 minutos conforman este nuevo disco donde la temática pastoral y un tanto mística que permeaban en el original también se hacen presentes aquí. Quizás la única diferencia entre esta obra y su predecesora del 75 esta en el ‘feeling’, mientras que la original había más conflicto y furia en algunas de sus secciones en esta nueva iteración hay más calma y pasajes un tanto más bellos. Aún así el señor Oldfield nos entrega su mejor disco desde el Amarok (1990). 

Mike Oldfield:

Acoustic guitar, 12-string & electric guitars, acoustic & electric basses, mandolin, harp, bouzouki, banjo, grand piano, spinet, Farfisa organ, ARP 2600 & Solina synths, bodhran, glockenspiel, accordion, assorted percussions (marimba, gong, tubular bells),

 

 

Pain of Salvation – In the Passing Light of Day

La banda sueca regresa este año con nuevo disco de estudio tras seis años desde su último disco con material original. En el 2014 sacaron un EP, Falling Home, con interpretaciones en acústico de canciones previas. Parte de esa intermitencia se debió a que Daniel Gildenlow, líder de esta banda tuvo un problema de salud grave en donde aparentemente su vida estuvo en riesgo. Una bacteria que consume piel, Necrotising Fasciitis (búsqueda en imágenes de Google para darse cuenta de que terrible es) se alojo en su cuerpo y lo dejo inactivo durante varios largos meses en un proceso difícil de sanación.

A Pain of Salvation generalmente se le asocia  dentro del género de Prog Metal debido a que en sus inicios hicieron un par de discos que se les considera dentro de lo mejor del género, The Perfect Element del 2000 y Remedy Lane, del 2002. Posteriormente fueron lanzando discos con más variedad en sus temas y en el vocabulario musical, como fueron BE y Scarsick. Y lo último en lo que trabajaron, el par de discos Road Salt, donde se alejaron casi por completo de sus orígenes para dar cabida a composiciones más cortas y un sonido estilo alternativo-grunge y abandonar la idea de discos conceptuales. Sobra decir que los fans de la banda y círculos de fanáticos del progresivo no apreciaron el giro de dirección musical que tomo la banda. Para este nuevo disco la banda estuvo dando anuncios donde dejaban entrever que regresarían a los sonidos de sus orígenes y que lo acompañarían con otro ambicioso disco conceptual que giraría entorno a la convalecencia entre la muerte y la vida basado en la reciente experiencia de Daniel.

Bastan unos 15 segundos de empezada la primera pieza del disco para reafirmar que la banda regresa al metal y que estamos dando los primeros pasos dentro de la excelente nueva narrativa de In the Passing Light of Day. Hubo dos cambios que impactaron en el sonido de la banda, Gildenlow se asoció con el nuevo guitarrista Ragnar Zolberg para co escribir prácticamente la mayoría del disco y tuvieron como productor a Daniel Bergstrand, quien ha trabajado con Meshugahh, In Flames, Strapping Young Lad entre otros para hacer el que para mi es el disco de Pain of Salvation que mejor se escucha. A lo largo de 72 minutos explora lo que significa estar al borde de la muerte, las experiencias que acumulaste, la marca que dejas en las personas, imaginar el futuro de la gente que te rodea con tu ausencia, llegar a términos con tu existencia, etc. Un buen disco donde la banda vuelve a ser propositiva, ambiciosa y que quizás nunca antes llevan como anillo al dedo su nombre, a través del dolor lograr la salvación.

Pain of Salvation son:

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Finalmente, también dejo una una extensa entrevista en Spotify con Daniel donde aborda más a profundidad el tema del disco y da un buen repaso a la carrera de la banda desde sus inicios. Vale la pena escuchar.

 

The Security Project

Quizás sea Peter Gabriel el artista que encendió la chispa en mi gusto por la música a mis escasos 8-7 años. Recuerdo haber escuchado incontables veces una especie de Best Of que mi padre me grabó en un casete para escucharlo en mi walkman. Conforme fui creciendo, fui descubriendo su trabajo en Genesis, su obra en vivo y colaboraciones; pero quizás fueron sus primeros cuatro discos los que más me impactaron de su obra fuera de Genesis. Cuatro discos que desde el diseño de la portada, ambición por incorporar nuevos sonidos al lenguaje del pop y rock han permanecido como sellos del art rock y que aún pasados 40 años desde que salió al público el 1 o Car siguen permaneciendo como gemas ajenas al tiempo e inspirando nuevas generaciones de músicos.

The Security Project es la banda que retoma el espíritu del material de los primeros 4 discos de Gabriel para traerlos a la época presente. Entre sus filas están el reconocido Trey Gunn, ex miembro de King Crimson y Jerry Marotta, el baterista y percusionista original de estos discos. Han estado de gira, principalmente en EUA, interpretando los temas de los primeros cuatro discos más algunas sorpresas de Genesis del disco The Lamb…  Sin alejarse mucho de la forma original de las canciones, la banda ha añadido arreglos, nuevas partes y sonidos que funcionan totalmente en estas nuevas reinterpretaciones. La voz del cantante, Brian Cummins, es increíblemente parecida a la de Gabriel por lo que hasta a veces da la sensación que esta no es una banda tributo. La banda tiene en su haber dos discos lanzados en 2016 Live 1 y Live 2 con distintas canciones en cada uno, todas en vivo. Este proyecto también da la oportunidad de escuchar este material en vivo ya que Gabriel poco o nada lo incluye en sus recientes giras.

Actualmente la banda tiene gira programada para varias fechas del 2017 y ha incorporado a la bella voz de Happy Rhodes como cantante en sustitución de Brian Cummins. En internet se encuentran videos viejos de Happy interpretando covers de Peter Gabriel, así que es una reemplazante adecuada para las voces de la banda e incluso añadiendo más versatilidad al repertorio que la banda interpreta viendo que en sus últimos conciertos han incluido temas de Kate Bush.

Juzguen ustedes:

The Security Project son:

Michael Cozzi Guitars, Backing Vocals
David Jameson Keyboards, Eigenharp
Happy Rhodes Lead Vocals
Trey Gunn  Warr Guitar, Backing Vocals
Jerry Marotta Drums & Percussion, Backing Vocals

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Corima-Amaterasu

Corima, banda estadounidense, que en el 2012 sorprendió a los fanáticos del Zeuhl con su álbum Quetzalcoatl, lanzaron en 2016 a través del sello Soleil Zeuhl su tercer disco, Amaterasu.

Esta nueva entrega ve a la banda alejarse un poco del sonido de Magma o de la banda japonesa Kōenji Hyakkei para explorar más en el campo del jazz rock, así como lo muestran en la pieza que abre el disco Tsukutomi. En Tsukutomi la banda deja de lado las voces para que sea la destreza y ejecución musical en sus instrumentos la que lleve la batuta de esta pieza que se divide en tres partes a lo largo de sus cerca de 18 minutos de duración.

Para la segunda pieza, Amaterasu, la banda regresa al sonido zehulero. Durante sus seis movimientos la banda va creando intensidad y energía desde la intro con piano hasta el caótico final. Para deleite del fan del zeuhl para esta pieza regresan las voces, el fender rhodes, la batería enérgica y ritmos frenéticos. Masterizado por el genio de la consola israelí, Udi Koomran, la banda suena potente en esta producción

Tras 4 años de espera desde su último material de estudio, Corima vuelve a colocarse en la cima como uno de los mejores exponentes del Zeuhl.

Corima es:

Andrea Calderón – Violín, Voz
Paco Casanova – Teclados, Voz
Patrick Shiroishi – Saxofón, Guitarra, Voz
Ryan Kamiyamazaki – Bajo
Sergio Sanchez Ravelo – Batería

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